001. O PODEROSO CHEFÃO - PARTE III, de Francis Ford Coppola

Após dois filmes, Coppola mostra que ainda pode surpreender e encerra a saga da família Corleone com chave de ouro.

Nota: 9,7

Título Original: The Godfather Part III

Direção: Francis Ford Coppola

Elenco: Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy Garcia, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola, Raf Vallone, Franc D’Ambrosio, Donal Donnelly, Richard Bright, Helmut Berger, Don Novello, John Savage, Franco Citti, Mario Donatone, Vittorio Duse, Enzo Robutti, Richele Russo, Al Martino, Robert Cicchini, Rogerio Miranda, Carlos Miranda, Vito Antuofermo,

Produção: Francis Ford Coppola, Gray Frederickson, Fred Fuchs, Nicholas Gage, Marina Gefter, Charles Mulvehill e Fred Roos

Roteiro: Francis Ford Coppola e Mario Puzo

Ano: 1990

Duração: 170 min.

Gênero: Drama / Crime

CONFIRA O TRAILER DO FILME:

Michael Corleone ficou conhecido por ser filho de Don Vito Corleone, um dos italianos mais poderosos da América. Depois da morte do pai, mesmo tendo outros dois irmãos, Michael se tornou o novo Don Corleone e, surpreendentemente, tornou-se muito mais poderoso, rico e influente que seu pai. Hoje, passaram-se aproximadamente 20 anos desde que Vito morreu. Os filhos e sobrinhos de Michael são adultos, Kay continua preferindo se manter distante do pai dos filhos e Connie permanece junto ao irmão em qualquer ocasião. Mas Michael está ficando velho, e, apesar de os mafiosos terem o poder de adiantar algumas mortes, nem mesmo eles podem detê-la para sempre.

“O Poderoso Chefão – Parte III” inicia com uma homenagem que Michael recebe da Santa Igreja Católica, homenagem ofertada pelo próprio Papa. Após a cerimônia, todos se reúnem em uma festa muito bonita e agradável, onde Michael doa cem milhões de dólares para a Igreja. E aí já começamos a ver o quanto os Corleone serão sempre os mesmos, não importa o que aconteça. Após 14 anos, Francis Ford Coppola lançou o derradeiro filme de sua trilogia épica. As décadas de 1970 e 1980 foram de extrema importância para o cinema moderno devido a nova geração de cineastas que começou a se impor, trazendo técnicas e temas inéditos, inovadores e inspiradores. Foi devido a essas novidades que os filmes da época conquistaram o público de forma inacreditável e serviam de modelo para outros cineastas, que passaram a experimentar e até desenvolver técnicas propostas por nomes como Coppola, Martin Scorsese, Woody Allen, George Lucas e Steven Spilberg. E se as primeiras partes daquela trilogia inspiraram as décadas de 70 e 80, podemos afirmar que a terceira parte da série foi referência para inúmeros filmes da década de 90. Dentre os exemplos, podemos citar a edição ágil e clássica proposta por Lisa Fruchtman, Barry Malkin e Walter Murch, a direção de arte e a produção de design dos irmãos Alex e Dean Tavoularis, e a iluminação e fotografia de Gordon Willis, proposta que vinha desde a primeira parte da trilogia.

Mario Puzo, que eternizou seu nome na Sétima Arte através dos filmes baseados em seu romance homônimo, está ao lado de Coppola para finalizar a série. Aqui, a história se torna mais moderna e um pouco menos impactante que nos dois primeiros longas. Temos um Michael diferente do visto nos outros filmes. Já não é mais um menino que cometeu seu primeiro assassinato. Também não é um homem que está começando a se firmar como o merecido herdeiro do pai. O Don Michael Corleone do final da década de 70 (quando ocorre a história) é um homem que se arrepende de seu passado, um homem debilitado que está começando a compreender que não é mais capaz de chefiar todos os seus negócios pela idade. E se Michael já não possui aquele vigor de outrora, o mesmo podemos dizer de Connie e Kay. Enquanto a irmã já perdoou Michael pelo assassinato do marido traíra, Kay ainda se ressente por seu grande amor ter se tornado uma pessoa tão diferente. E essas novas personalidades, essa forma de apresentar personagens maduros, se contrasta com os personagens mais jovens vividos pelos filhos e sobrinhos do protagonista: indivíduos cheios de vida que buscam por seus amores e sonhos. O próximo Don, por exemplo, e isso fica claro desde a primeira aparição do personagem, é o filho bastardo de Sonny. Vincent é o perfeito retrato do pai: temperamental e louco pelo poder. Ainda nessa geração, temos os filhos de Michael. Mary é uma jovem sonhadora que se apaixona por Vincent e está decidida a viver esse amor, não importa o que qualquer pessoa pense a respeito. Anthony também tem sua paixão e luta por ela, mas o amor deste é a música e, mesmo que Michael queira obrigá-lo a ser seu sucessor, o jovem está pronto para ir até o fim em se dedicar à sua arte.

Mas nem tudo nesse roteiro é tão novo quanto as personalidades dos personagens ou essa relação com a Igreja: existem dezenas de semelhanças entre esse filme e a primeira parte da trilogia. A primeira já é vista logo no início. Quando Michael é homenageado e depois oferece uma festa aos seus “afilhados” vemos uma clara referência ao casamento de Connie. Depois, temos o tiroteio que tem como objetivo aniquilar alguns Dons, o que inclui Michael. Esteticamente, a cena lembra o assassinato de Sonny, mas também pode ser uma referência à tentativa de assassinato de Vito. Enquanto no primeiro filme os tiros atingem Vito e o levam para o hospital, aqui, Michael, que é diabético, tem um ataque devido ao susto e vai para o hospital. A reação dos Corleone diante desses eventos, entretanto, é a mesma: Michael, na primeira parte, comete seu primeiro assassinato para vingar o pai, e aqui, Vincent assassina o homem que ordenou o ataque contra o tio. De qualquer forma, Vito e Michael, mesmo vingados, ficam à beira da morte. E quando percebem que está na hora de passar seu poder adiante, eles o fazem. Vito deixa claro que o próximo Don Corleone será Michael, ao passo que este nomeia Vincent seu sucessor. No desfecho da trama, Michael revive o primeiro filme: enquanto ele assistia a missa após se tornar Don, dezenas de inimigos eram assassinados por sua ordem, aqui, os assassinatos são coordenados por Vincent enquanto Michael assiste à ópera do filho. Como aconteceu com Vito, por fim, Michael também morre de forma pacífica, estando velho e sem sentir dores. Apesar de viverem momentos distintos, ambos estavam sentados sobre o sol da manhã.

Apontei como os Corleone são os melhores anti-heróis já criados quando disse, na crítica do primeiro filme da saga dessa família, que eles são o que há de mais podre na face da terra e, mesmo sabendo disso, os amamos. E Michael é um dos grandes responsáveis por isso. Ou melhor, Al Pacino é um dos grandes responsáveis por qualquer afeição que nutrimos pelo personagem e por sua família. No início, ele é o filho que não deseja seguir os passos do pai, por isso o amamos. Depois, vinga sua família com sangue e, por isso, ganha nossa admiração. Mais tarde, ordena que o irmão seja assassinado, mas justifica o ato alegando que Fredo estaria comprometendo a família. E mesmo com este fratricídio, continuamos amando Michael. E o personagem passa a ser mais amado ainda pelos estadunidenses após suas palavras ensaiadas sobre ser um americano cumpridor dos deveres no discurso que o livra da cadeia. Mas Al Pacino não é apenas o responsável por viver o maior anti-herói da história do cinema, ele é um assombro ainda maior que nos primeiros filmes da série, pois está ainda mais expressivo. Tanto Michael, quanto Al, são mais experientes, portanto, já viveram mais e estão mais aptos para enfrentar as dificuldades da velhice. Desta vez, Pacino não repetiu a dose de ser indicado ao Oscar (havia sido indicado como melhor ator coadjuvante pelo primeiro filme e como melhor ator pelo segundo), mas, talvez, seja essa sua interpretação mais dramática e verdadeira em toda a trilogia. O trabalho que, sem dúvidas, merecia o prêmio da Academia.

Todavia Al Pacino não é o único intérprete que volta ao longa com mais experiência e sagacidade. Diane Keaton, a ex esposa Kay Adams, e Talia Shire, a irmã Connie, repetem suas personagens. Keaton demora a aparecer, mas quando surge em cena se mostra a mesma mulher dos outros filmes: mãe zelosa e mulher apaixonada. As duas cenas que definem isso são explícitas: em uma, deixa claro a Michael que estará ao lado de Anthony na ideia de largar o direito e se tornar músico, na outra, passeia ao lado do ex marido pela cidade onde o falecido sogro nasceu, e acaba confessando a Michael que sempre o amou. Shire, por outro lado, não possui nenhuma grande cena, mas aparece em vários momentos demonstrando que a Connie submissa ao marido morreu e deu lugar a uma mulher de fibra que, finalmente, compreendeu o que significa fazer parte da família Corleone. Ambas as atrizes fazem tudo demonstrando como suas personagens cresceram e aprenderam com o que viveram. São duas atrizes que voltam às suas personagens depois de 14 anos, mas não que interpretam mulheres completamente distintas daquelas que largaram no passado. Diferente disso: a Kay doce e romântica e a Connie fiel à família estão lá mais do que nunca.

O elenco, entretanto, não pode ser resumido a duas atrizes e um ator como se isso fosse uma comédia romântica. Longe disso. Longe de ser um elenco de três pessoas e mais longe ainda de ser uma comédia romântica. Andy Garcia, indicado ao Oscar por seu Vincent, lembra muito (a nós e aos personagens) o pai que morreu de forma trágica (assassinado com a ajuda do marido de Connie). E talvez esse seja o ponto alto do ator, uma vez que Sonny representava um personagem tão particular e expressivo, até por que, Garcia apenas lembra o pai do personagem, mas não se tornar uma caricatura ou cópia. Sofia Coppola vem para provar que a década de 90 foi uma das mais românticas do cinema moderno. Ela vive uma Mary boba, inocente e apaixonada por Vincent, uma menina mimada e sem graça. Coppola não possui nada de muito interessante e chega a ser chata em algumas cenas. Ainda bem que a atriz passou para o outro lado da câmera e se tornou uma diretora competente e admirável. Franc D’Ambrosio fecha o elenco principal da família como Anthony Vito Corleone, apesar de ser um ótimo ator, esse foi o único filme da carreira de D’Ambrosio, que se mostra um verdadeiro cantor ao interpretar a canção “Brucia La Luna”. Só para não deixar de citar os demais personagens importante, aqui vai uma pequena lista: Eli Wallach dá vida ao vira-casacas Don Altobello, Joe Mantegna, vive o desafeto Zoey Zasa, Raf Vallone, o Cardeal Lamberto, Donal Donnelly, o Arcebispo Gilday e John Savage, interpreta o filho de Tom Hagen, Padre Andrew Hagen.

Sequências de qualquer tipo de série de filmes sempre dão aquele frio na barriga. Com a trilogia de Coppola não foi diferente. Entretanto, poucas vezes vimos sequências tão satisfatórias como essas. O segundo filme da série mescla as histórias de Michael e Vito e se torna o filme mais violento dos três. A terceira parte, todavia, se mostra um filme mais psicológico, um longa que está disposto a abordar as consequências de tudo o que Michael fez. Consequências sofridas por ele e por toda sua família. Consequências que afetam a consciência do protagonista do início ao fim. O filme, definitivamente, não é o melhor da trilogia, até por que, nenhum filme feito até hoje no cinema supera a primeira parte, mas não podemos negar a qualidade e a importância do desfecho da história. Assim sendo, não foi apenas por ter homenageado a trilogia na centésima e na ducentésima críticas do blog que escolhi a terceira parte da saga dos Corleone para finalizar as 399 críticas. Após 398 análises, acho justo que termine este trabalho da mesma forma que Francis Ford Coppola finalizou a melhor trilogia da história do cinema: com dignidade e muita qualidade. Com chave de ouro.

Como fiz com os outros dois filmes da série, abaixo segue a lista dos dez melhores momentos do longa (as informações abaixo contém SPOILER):

10. Homenagem e festa: o início do filme, como citei, já lembra quem é a família Corleone e do que eles estão dispostos para subirem ainda mais na sociedade. Essa cena mistura a alegria do povo italiano com a malandragem dos mafiosos como se tudo fosse uma coisa só;

09. Michael revela seu interesse pela International Immobiliare: pode não ser uma cena impactante, mas é uma cena de grande valor para o contexto e é muito bom ver o Don Michael Corleone fazendo negócios, ou melhor, fazendo suas propostas irrecusáveis;

08. Tarde de Michael e Kay passeando pela cidade: apesar de ser uma cena simples, evoca os outros filmes, o passado dos Corleone e a relação bonita que o casal tinha quando Kay ainda achava que políticos eram honestos;

07. Volta de Michael para a Itália: aliando-se ao fato de Michael reunir a família para prestigiar o sucesso do filho, é o momento em que o protagonista sai do hospital e mostra a todos que o Don Corleone está vivo e bem de saúde, capaz de tomar as rédeas da própria vida;

06. Michael aceita Vincent como seu herdeiro: após Vincent provar ao tio que é digno de sua confiança, Michael o reconhece como seu sobrinho, chamando-o de Vincent Corleone, e declarando que ele será seu sucessor. Como foi feito com Michael no final do primeiro filme da trilogia, os homens se aproximam de Vincent e beijam a mão do novo Don;

05. Massacre: em uma cena épica, os “aliados” de Michael sofrem um homicídio em massa orquestrado por Altobello e Zasa. A cena é perfeita e não poupa em mostram os homens morrendo. Além disso, a sequência, onde Michael tem seu ataque devido a glicemia e a pressão, é uma das cenas mais forte do longa;

04. Confissão de Michael Corleone: após 30 anos sem se confessar, finalmente, Michael, em sua passagem pela Itália, encontra com um pároco e, como um bom católico que realmente é, resolve se acertar com Deus. Michael confessa seus crimes, o que inclui a morte do irmão, Fredo. A cena é impactante e memorável justamente por isso: friamente, Michael fala que já matou e ordenou que matassem, e, com todo o sentimentalismo do mundo, revela, chorando, que mandou matarem seu próprio irmão;

03. Anthony entoa a canção “Brucia la Terra”: a letra de Giuseppe Rinaldi acompanha a música tema criada por Nino Rota, um dos temas mais inesquecíveis do cinema. D’Ambrosio tem a voz perfeita para a canção e a emoção gerada por ela (e por Al Pacino) é inexplicável;

02. Noite na ópera: desde o momento em que os personagens chegam ao local da apresentação, passando pelas mortes de vários personagens (o que inclui o Papa), até o momento final em que Michael e Kay choram pela morte da filha. A cena tem a mesma tensão proposta pela cena principal do filme “O Homem que Sabia Demais” de Alfred Hitchcock e é o momento mais expressivo dos protagonistas: indo de alegria pelo sucesso do filho, ao desespero pela morte da filha;

01. Morte de Michael Corleone: se esse fosse um filme isolado, provavelmente teria escolhido a cena da ópera como a melhor do filme, mas estamos falando de uma trilogia. Uma trilogia que mostra a passagem de poder de um pai para seu filho, assim, quando Michael resolve passar seus poderes como Don para seu sobrinho, ele fecha um ciclo. Outras pessoas veem essa trilogia como sendo o relato da vida de Michael. De qualquer forma, a morte de Michael é o final definitivo deste ciclo.

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008. (ESPECIAL OSCAR 2014) GRAVIDADE, de Alfonso Cuarón

Uma obra prima.

Nota: 9,8

Título Original: Gravity

Direção: Alfonso Cuarón

Elenco: Sandra Bullock, George Clooney, Ed harris, Orto Ignatiussen, Phaldut Sharma, Amy Warren, Basher Savage e Janes Ahern

Produção: Alfonso Cuarón, David Heyman, Christopher DeFaria, Stephen Jones, Nikki Penny e Gabriela Rodriguez

Roteiro: Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón e George Clooney

Ano: 2013

Duração: 91 min.

Gênero: Drama / Ficção / Ação

Ryan Stone é uma engenheira que foi chamada para trabalhar um tempo no espaço. Ao lado do experiente astronauta Matt Kowalski, ela deixa o interior seguro de uma nave espacial para realizar um conserto. Enquanto Stone finaliza o trabalho, Kowalski é alertado quanto a destroços de um aparelho destruído por russos. Sem conseguir chegar até a nave, Stone e Kowalski são atingidos pelos destroços e ficam afastados da nave. Agora, a dupla está à deriva, com pouco oxigênio, chances remotas de conseguir ajuda, e chances menores ainda de permanecerem vivos.

“A 600km acima do planeta Terra a temperatura oscila entre 120º e -100º Celsius. Não há nenhuma transmissão de som, nenhum oxigênio, e nenhuma pressão atmosférica. Vida aqui é impossível.” São essas palavras que fizeram parte de qualquer comercial de “Gravidade”. São elas, ainda, as primeiras palavras apresentadas ao espectador. Com isso, esperamos um filme longo, demorado e chato, pois imaginamos que tipo de longa pode ser realizado tendo como ambiente um local sem som, sem oxigênio, sem pressão atmosférica, sem vida. Antes de assistir a esse longa, inúmeras pessoas perguntavam se eu já havia ouvido falar sobre ele. Minha resposta sempre foi: sim, mas ainda não tive coragem suficiente para assisti-lo.  Certa noite, resolvi encarar o longa como uma forma de relaxar. Qual foi minha surpresa quando comecei a assistir ao filme e em momento algum visualizei cenas enfadonhas. Desmitificando tudo o que dezenas de pessoas falam acerca do filme, afirmo que o longa é excitante e curioso do começo ao fim. Não que cenas de ação sejam necessárias, até acho que algumas delas poderiam ter sido mais monótonas, mas o roteiro e as interpretações são tão intensas que nos levam diretamente para o que os personagens estão vivendo (ainda mais se o filme for assistido em 3D) e passamos o longa desesperados.

Alfonso Cuarón é conhecido por três grandes trabalhos: “E Sua Mãe Também” (2001), “Harry Potter e o Prisioneira de Azkaban” (2004) e “Filhos da Esperança” (2006). Com “Gravidade”, o diretor entra para o grupo dos grande nomes indicados ao Sindicato dos Diretores e ao Oscar, a maior premiação do cinema. E não há uma alma que diga que Cuarón não merece tais indicações e, ainda, ser o vencedor desses prêmios. Inclusive, Cuarón e Mark Sanger, editores do longa, criaram novas tecnologias para realizar as filmagens, uma delas, por exemplo, faz a câmera rodar, acompanhando os movimentos dos personagens que estão girando pelo espaço. O filme possui algumas singularidades que devem ser mencionadas. Não posso deixar de citar, e o faço logo no começo, o fato de os russos causarem tantos estragos por detonarem um aparelho no espaço, o que torna o filme ainda mais americano, apesar de o diretor ser mexicano e o produtor David Heyman ser inglês. Ainda cito algumas cenas que esperava encontrar e não encontrei: muitas pessoas observaram que o filme tinha momentos de extremo silêncio, mas eles não existem. Acredito que algumas cenas poderiam ser completamente mudas, sem alterar sua grandiosidade ou seu impacto (provavelmente elas não existam pois podriam quebrar o clímax eterno do longa. A escolha de existirem poucos personagens é muito arriscada, mas é um dos grandes pontos do longa.

O roteiro de Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón, filho do diretor, e George Clooney, que despensa apresentações, é rico e não deixa o espectador se perder ou de distrair com outra coisa. É interessante a forma como toda a trama se desenvolve em um possível tempo real, ou seja, a história, provavelmente, ocorre no mesmo tempo do filme, em uma hora e meia. Os diálogos dos personagens e a forma como é feita a construção de Stone (uma mulher inexperiente no espaço e, por isso, temerosa) e Kovalski (um homem com experiência em problemas no espaço e, por isso, mas tranquilo) é maravilhosa e nos cativamos por ambos desde o início do longa. A trilha sonora do filme é do iniciante compositor Steven Price (e estará a disposição aqui no blog durante mais uma semana). Apesar de ter apenas dois filmes em seu currículo como compositor, o inglês trabalhou como programador musical em “A Liga Extraordinária” (2003)  e em “Resgate Sem Limites” (2003) e editor musical em “O Senhor dos Aneis: As Duas Torres” (2002), “O Senhor dos Aneis: O Retorno do Rei” (2003), “Batman Begins” (2005), “Criatura Perfeita” (2006), “A Última Legião” (2007) e “Terra” (2007). “Gravidade” portanto, é seu primeiro grande trabalho na composição. Price, nesse contexto, excede expectativas, pois a trilha do longa, como já citei, se torna essencial devido ao número reduzido de personagens e ao fsto de tudo ocorrer no espaço, onde não há possibilidade de propagação sonora. Músicas dramáticas que protagonizam as cenas melancólicas de Bullock se misturam às músicas agitadas que permeiam as cenas em que Stone é atingida pelos destroços do aparelho russo. A música da cena final do longa é uma das mais belas do ano e, sem dúvida, uma das que mais causa emoção dos últimos anos.

Em termos de atuação, temos apenas duas: Sandra Bullock, como Stone, e George Clooney, como Kowalski. Assim como muitos outros críticos, até hoje não engoli o Oscar de Bullock em 2009 por “Um Sonho Possível” (2008), o filme é chato e a personagem da atriz é cômica demais, exigindo pouco dela. Dali por diante confesso ter pegado um implicância por Bullock, que parecia artificial demais em cada um de seus filmes. Entretanto, “Gravidade” quebrou qualquer problema do passado existente em relação a ela. Finalmente incumbiram à atriz uma personagem realmente dramática, e mais, uma personagem que carrega o filme nas costas. Enquanto Stone está no espaço – o que ocorre na maior parte do filme – Bullock está coberta por aquela roupa típica de astronautas, por isso, o único artifício que pode ser usado são suas feições. O desespero de uma mulher à beira da morte que não sabe como agir, o medo de uma leiga ao ligar uma nave espacial, a culpa de uma profissional ao ver seu colega e sacrificar por ela, a angústia de uma mãe ao contar sobre a morte prematura da filha e o alívio de um ser humano ao constatar que ainda existe possibilidade de vida são intensos e poucas vezes atingiram um grau tão alto em uma interpretação quanto Sandra Bullock atingiu aqui. Não estamos acostumados a ver George Clooney ser pouco considerado em premiações, não sei se foi o teor subjetivo do longa, mas sua interpretação me comoveu e me conquistou como poucas conseguem fazer. O Kowalski criado pelo ator é um homem vivo, disciplinado, calmo e extremamente espirituoso. É um ser humano como outro qualquer, as feições de Clooney e a voz do ator são essenciais para que o longa seja tão absurdamente pavoroso e acho uma lástima o ator ter sido esnobado por inúmeras premiações.

“Gravidade” é uma das grandes promessas para o Oscar esse ano. Ao todo, são 10 indicações à premiação. A mais importante, sem dúvidas é como melhor filme. Tendo em vista a indicação a melhor direção, é um dos cinco favoritos e concorre penas com “12 Anos de Escravidão”, com quem dividiu o prêmio do Sindicato dos Produtores e grande favorito do ano. Melhor direção para Alfonso Cuarón, que concorre com Martin Scorsese (sempre um favorito), por “O Lobo de Wall Street” e com Steve McQueen, por “12 Anos de Escravidão”, lembrando que David O. Russell pode ser a grande surpresa com seu “Trapaça”, Cuarón é o favorito do ano, tendo vencido 26 prêmios ao longo da temporada (incluindo do Sindicato de Diretores) e, provavelmente, deverá vencer o prêmio. Melhor atriz, para Sandra Bullock, apesar de ser a melhor interpretação da carreira da atriz, a disputa está entre Cate Blanchett e Amy Adams, mas que a vitória de Bullock seria uma surpresa muito agradável, isso seria. Melhor fotografia, tendo em vista a qualidade e o fato de o filme ter vencido vários outros prêmios na categoria, provavelmente a vitória é dele. Melhor edição, a exclusão de “O Lobo de Wall Street” e a qualidade técnica de “Gravidade” praticamente garantem a vitória do longa, que acaba tendo como ameaça “Trapaça”, vencedor do prêmio do Sindicato dos Editores. Melhor trilha sonora, para Steve Price, apesar dos concorrentes de peso (John Williams e Alexander Desplat) é, sem dúvida, a trilha mais marcante do ano, devendo levar o prêmio. Melhores efeitos visuais, talvez seja o grade prêmio do longa, devido às pesquisas, ao melhoramentos e aos avanços que o filme traz ao cinema. Melhor edição de som, outra categoria em que o longa arranca como favorito, é impossível não se impressionar com a beleza sonora e visual do filme, “Capitão Phillips” pode ser o azarão na categoria. Melhor mixagem de som, com “Capitão Phillips” em seu encalço novamente, é uma categoria um pouco incerta, mas “Gravidade” ainda é o favorito”. Melhor direção de arte, outro ponto forte do longa, sua única ameaça é “O Grande Gatsby”, filme com direção de arte impecável.

É inegável que o conjunto técnico de “Gravidade” torna esse filme um dos melhores do ano, senão o melhor. Poucos longas possuem tal qualidade sonora (incluindo mixagem, edição de som e trilha sonora), visual (incluindo figurino, fotografia, edição), de direção e de roteiro, entretanto, são as interpretações de Bullock e Clooney que seguram o longa de forma inexplicável. São os sentimentos expressos pela voz do ator que dão o tom experançoso e forte vindos da segurança e experiência de um astronauta vivido. São os sentimentos de desepsero e alívio que vemos nos olhos e no corpo de Bullock que humanizam o longa e o tornam ainda mais comovente e belo. O espaço, por sua vez, é um vilão real que não tem pena de nossos personagens e não pretende se redimir. Sem as grandes interpretações de Bullock e Clooney o longa não seria nada. Dessa vez, se Sandra Bullock vencesse o Oscar, jamais me ouviriam contestar, pois dessa vez, sem sombra de dúvidas, seria mais que merecido. Mas também não podemos deixar o trabalho de Cuarón de lado. Se não fosse sua maestria, todos os sentimentos de Bullock jamais teriam sido capturados. E mais: foi Cuarón quem criou a história desse filme, foi ele quem planejou cada segundo, foi Cuarón quem idealizou e materializou toda essa obra da sétima arte. E se Cuarón não o tivesse feito com tanta originalidade, qualidade e perfeição, ninguém mais o faria.

TOP 10 FILMES INDICADOS AO OSCAR

Essa é a minha lista dos filmes que eu considero os 10 melhores do ano (dentre aqueles que foram indicados ao Oscar em qualquer categoria):

10. Nebraska

09. Inside Llewyn Davis

08. Capitão Phillips

07. Alabama Monroe

06. A Grande Beleza

05. Frozen: Uma Aventura Congelante

04. Ela

03. O Lobo de Wall Street

02. A Caça

01. Gravidade

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074. DRÁCULA DE BRAM STOKER, de Francis Ford Coppola

Junte Francis Ford Coppola, a história do Conde Dracula e um elenco de peso e faça uma das fantasias mais loucas, deliciosas e bem feitas de todos os tempos.

Nota: DEZ

Título Original: Dracula

Direção: Francis Ford Coppola

Elenco: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Cary Elwes, Billy Campbell, Sadie Foster, Tom Waits, Monica Belluci

Produção: Francis Ford Coppola, Fred Fuchs, Charles Mulvehill

Roteiro: James V. Hart e Bram Stoker (romance)

Ano: 1992

Duração: 128 min.

Gênero: Drama / Thriller / Romance

O corretor inglês Jonathan Harker vai até a Transilvânia para conversar com um cliente muito rico que deseja fazer aquisições em Londres. Entretanto, o que Harker não sabe é que o tal cliente é ninguém menos, ninguém mais que o Conde Vladmir Dracula, um vampiro indecente que atraiu o corretor para seu castelo para lhe afastar de Mina Murray, noiva de Jonathan e a alma do único amor que Dracula teve em toda a sua vida. No entanto, coisas estranhas começam a acontecer em volta de Mina e para ajudar a espantar o mal, é convocado o caçador de monstros Abraham Van Helsing.

Em 1897 o irlandês Abraham “Bram” Stoker” lançou, sem dúvida o maior sucesso de sua carreira, e um dos maiores sucessos de todos os tempos. O livro “Dracula” relatava a mesma história que podemos assistir aqui – talvez por isso a tradução se refira ao escritor -, apesar de não ter lido o livro na íntegra, acaba me parecendo uma das adaptações mais fieis já vistas no cinema. Mesmo que o livro seja um incontestável sucesso e tenha uma qualidade inquestionável, é importante fazer notar que não foi de imediato que Stoker conquistou seu tão amado público, mas a crítica sempre considerou sua obra um dos melhores livros da história da literatura – recentemente o Daily Mail classificou o escritor como sendo superior a Edgar Allan Poe – contista de dezenas de história, como “O Mistério de Marie Rogêt” e “Os Assassinatos da Rua Morgue” -, Mary Shelley – escritora de “Frankenstein ou o Moderno Prometeu” - e Emily Brontë – a irmã que escreveu “O Morro dos Ventos Uivantes”. Além disso, fontes afirmam que o personagem central da história poderia mesmo ter existido, o que torna interessante verificar nos principais sites de busca de vídeos o documentário “Vampiros – Em Busca da Verdade”, que aborda, de forma inteligente e racional, as possibilidades da existência do tal Conde Vladimir Drácula. Mas, voltemos a produção de Coppola. Aqui, o longa se trata de uma verdadeira adaptação da obra de Bram Stoker, onde tudo acontece, aparentemente, da mesma forma que no livro. Apesar de nunca ter lido “Dracula” na íntegra, baseando-me apenas nas resenhas ou críticas que li a respeito do mesmo, o filme parece ser uma história fiel, além disso, toda a fantasia necessária para se adaptar uma história como essa é explorada de forma magnífica. Aliás, o mínimo que se poderia esperar do diretor da Trilogia “O Poderoso Chefão” é o que vemos aqui, ou melhor, temos algo muito mais sutil e depravado que o esperado. Acrescente a isso, Copolla nos traz um pouco do que vemos na Trilogia que lhe consagrou como um dos maiores diretores da história do cinema: obviamente grande parte do filme ocorre em momentos escuros, afinal, é neles que Dracula concentra seu poder, entretanto, cada tomada, seja em ângulos abertos ou fechados, em ambientes internos ou externos, podemos ver tudo claramente, e quando nossa visão acaba nos enganado percebemos a intenção de confundir nossas ideias e nos transportar de forma inacreditável para a história, prendendo nossa atenção mesmo nos momentos mais monótonos   - que são raros, diga-se de passagem.

Indicado ao Oscar no ano passado por seu papel em “O Espião que Sabia Demais” (2011), Gary Oldman é um dos artistas mais versáteis do atual cenário cinematográfico, conquistando a proeza de estar irreconhecível em diversos dos mais de setenta títulos em que já trabalhou. Aqui ele é, mais uma vez irreconhecível até uma altura do longa, o maior vampiro da história da literatura, ou da humanidade, o Conde Dracula. Incluí “o maior vampiro da humanidade” pois, a brilhante interpretação de Oldman começa logo no início do filme, onde o real Príncipe Vlad é mostrado, em meio a suas guerras e seu único amor, depois vemos Oldman como um velho de pele muito branca, um ser bem assustador que prende Jonathan Harker em seu castelo, por fim, temos o homem apaixonado se digladiando com o vampiro sedento por sangue e louco para se entregar aos prazeres carnais. Além disso, cada cena parece ser única para Oldman e Dracula, e se torna inacreditável como a ator funde suas feições a de seus personagens, criando algo realmente mágico e pavoroso. Harker, por sua vez, é interpretado por Keanu Reeves, quem já leu críticas anteriores de filmes com o ator – “Advogado do Diabo” (1997) e “Alguém Tem Que Ceder” (2003) -, já sabe que não simpatizo totalmente com o ator, mas começo a achar que seja apenas implicância por achar sua atuação na Trilogia Matrix péssima – até por que, os três filmes são terríveis -, todavia, seu trabalho aqui me faz lembrar duas coisas: a primeira é o que já citei nas críticas anteriores, não há meio termo nos trabalhos do ator, ou ele está péssimo ou está ótimo; a outra é uma lembrança, mesmo que mínima de um dos filmes mais inescrupulosos que já tive o prazer de assistir “Ligações Perigosas” (1988), um dos primeiros longas importantes de Reeves, enfim, como Jonathan ele mistura o gênero rapaz romântico e apaixonado, com o homem que está em formação dentro dele e vê o desejo pelo sexo florir ainda mais quando passa a pequena temporada no castelo de Dracula, período em que se vê forçado a se tornar um verdadeiro homem para voltar para os braços da mulher que ama. Para completar o trio masculino de protagonistas está, ninguém mais, ninguém menos, que Anthony Hopkins, interpretando o Professor Abraham Van Helsing, mais um personagem clássico da literatura do gênero, diferente do visto no filme “Van Helsing – Caçador de Vampiros” (2004), onde tínhamos um forte e sensual Hugh Jackman vivendo o protagonista, aqui, Hopkins é um homem sério, mais vivido e com muita história pra contar, alguém que teme ao desconhecido, e mais, que, mesmo sabendo a forma como lutar com qualquer ser que apareça em sua frente, não se deixa levar pela emoção. Para trazer alguma beleza ao filme, temos Winona Rider como Mina Murray, noiva de Jonathan, e Elisabeta, noiva de Dracula no início da história, apesar de achar Ryder uma das atrizes mais belas de sua geração, acho sua atuação fraca e a personagem é inocente demais, mas devo confessar que poucas mulheres poderiam parecer tão sexys e ainda sim desejáveis quanto ela nos momentos em que resolve ceder à tentação do pecado e se entregar aos seus desejos mais insanos, ponto para Ryder que, infelizmente, tem estado um pouco apagada no cinema dos últimos anos.

Como já citei, o resultado desse filme não podia ser algo ruim, todavia, ao saber que e a adaptação da grande obra de Bram Stocker adaptada pelo diretor da Trilogia “O Poderoso Chefão”, confesso que vi nesse trabalho uma realização muito arriscada, e, realmente, o é, afinal, não seria qualquer diretor que poderia tornar essa história tão conhecida e cheia de vertentes algo tão agradável e bem feito. Mas, estamos falando de Francis Ford Copolla o homem que, ao lado de Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Robert Altman e (por que não), Woody Allen, fez parte da geração mais louca de Hollywood na década de 1970 e trouxe inovações surpreendentes em todas as áreas cinematográficas. Sendo assim, nada se torna um desafio tão complicado e, mais uma vez, Copolla nos presenteia com um filme digno de estar entre os maiores da década de 1990. E isso se faz mais verdadeiro hoje, pois, além de trazer grandes inovações ao gênero, dessa vez, contrariando os vampiros dos últimos anos, nosso Dracula não vive sem sangue humano, possui várias formas, tem poderes obviamente anormais, possui olfato e visão muito mais aguçados que nós e, acima de tudo, exala luxúria por todas as extremidades de seu corpo morto-vivo. E é essa luxúria que faz esse filme algo tão inescrupuloso e delicioso.

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