064. TAXI DRIVER, de Martin Scorsese

Martin Scorsese e Robert De Niro mostram que juntos são os novaiorquinos mais geniais de todos os tempos!

Nota: DEZ

Título Original: Taxi Driver

Direção: Martin Scorsese

Elenco: Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Peter Boyle, Harvey Keitel, Leonard Harris, Albert Broks, Martin Scorsese, Victor Argo, Steven Prince

Produção: Phillip M. Goldfarb, Julia Phillips e Michael Phillips

Roteiro: Paul Sharader

Ano: 1976

Duração: 113 min.

Gênero: Drama / Thriller

Tavis Bickle é um homem como qualquer outro que vive na terrível Nova York dos anos 1970. O maior problema de Travis, entretanto, é que já não consegue mais dormir, dessa forma, o rapaz, de 26 anos, alegando que já esteve no Corpo de Fuzileiros Navais, torna-se taxista no turno da madrugada. Nesse contexto, Travis perambula pelas ruas da “cidade que nunca dorme” e torna-se obcecado por duas jovens: uma prostituta de 12 anos, Iris, e uma bela mulher que trabalha em comitê eleitoral, Betsy. Porém, o que não se pode imaginar, é que essas obsessões farão Travis cometer insanidades, inclusive estar disposto a matar.

“Taxi Driver” é considerado, por muitos críticos, o maior filme da carreira do diretor Martin Scorsese. Para mim, é, sem dúvida, o mais complexo e reflexivo. Tal complexidade e reflexão já começam no início do longa: a abertura apresentada com a música de Bernard Herrmann ao fundo é algo inexplicável e maravilhoso, ainda mais para quem já assistiu ao clássico “Psicose”, com trilha sonora de Herrmann. Após isso vemos, as perturbações inicias de Travis, como seu passatempo de ir assistir a filmes pornográficos durante a madrugada em cinemas imundos e a desorganização de seu apartamento que parece ser em uma zona bem pobre da cidade. Se pensarmos um pouco, é rápido perceber como a vida do protagonista é ruim e como ele está alienado para dezenas de acontecimentos a sua volta. Com o passar do longa, a obsessão para com Betsy e com Iris nos trazem muitas verdades: Travis está apaixonado por elas? Travis sente atração sexual por elas? Travis sente alguma afeição profunda por alguma das jovens? O protagonista precisa ser cuidado e cuidar de alguém? Travis está se sentindo sozinho e quer companhia? Na minha opinião, Travis encontra em Iris e Betsy alguém por quem vale a penas lutar e viver, enquanto Betsy tem sua vida chata trabalhando todos os dias e tendo que dar foras diários em um colega insistente, Iris está subordinada a Sport, o cafetão que manda nas prostituas da região onde Iris trabalha, e Travis sente que pode ser o herói dessas duas mulheres. Além disso, da mesma forma que Iris está ligada e deve obedecer Sport, Betsy está ligada ao Senador Palantine, e, provavelmente, Travis se enche de ciúmes de ambos. Por fim, não se pode deixar de falar, a respeito da construção de Travis, um dos personagens mais enigmáticos e bem compostos da história do cinema, da forma como ele vê o mundo e como se porta diante de tudo. Como já disse, temos a passatempo básico, que já o caracteriza como um homem oprimido que não parece ter uma vida sexual muito regrada, a vida social do protagonista gira, durante o longa todo, em torno dos rapazes com quem trabalha na companhia de táxi, o que demonstra que anteriormente ao trabalho na tal garagem, Travis não tinha nenhum amigo – até por que, em momento algum faz-se referência a alguma relação mais estreita por parte do personagem. Nova York, para Travis, é um lugar sujo, um lugar onde toda a escória do planeta resolveu habitar e parece que veio sem pretensão alguma de sair dali. Em uma das cenas mais antológicas do cinema moderno – onde vemos Travis dirigindo pelas ruas de Nova York e refletindo o quanto aquela cidade está suja e como uma limpeza é necessária para que tudo fique melhor – vemos, claramente, como o rapaz está enojado por viver ali, como tem certos preconceitos e como e vida suburbana é um verdadeiro lixo.

Martin Scorsese é um dos diretores mais renomados da Sétima Arte e um dos mais ativos no momento. Em 1973, “Caminhos Perigosos”, com De Niro, foi seu primeiro filme de sucesso a ser lançado no cinema, mas foi 1974 o ano decisivo para o diretor e o ano que lhe rendeu um posto entre os maiores diretores da década de 1970 – aquela geração “sexo, drogas e rock’nroll” que salvou o cinema da mesmice e trouxe uma nova forma de se ver o mundo e de se filmar, dentre eles ainda estavam George Lucas, Fancis Ford Coppola, Steven Spielberg, Stanley Kubrick, Brian de Palma, entre outros. Foi nesse ano que Scorsese provou seu talento nato ao lançar “Alice Não Mora Mais Aqui”, com Ellen Burstyn, e “Taxi Driver”. “Taxi Driver” não foi apenas mais um filme ao lado de seu grande parceiro Robert De Niro, foi o longa que lhe deu a passagem garantida para realizar qualquer produção no cinema, teve 4 indicações ao Oscar, foi indicado no Sindicato dos Diretores da América, no Globo de Ouro e no Sindicato dos Roteiristas da América, levando prêmios como o dos Críticos de Nova York, da Associação Nacional dos Críticos de Filmes dos Estados Unidos e destacou-se no Festival de Cannes, rendendo a Scorsese o Palma de Ouro. Não é para menos, ninguém, jamais havia delatado de forma tão crítica e debochada os problemas de Nova York, ou exaltado a cultura da época. Aliás, se me perguntassem palavras chave a respeito desse longa, as primeiras que diria, seriam Nova York e crítica e sátira social. O diretor faz inúmeras referências a cenas clássicas e clichês de Hollywood, e ainda nos traz cenas que seriam copiadas para sempre, sendo original e fantástico. A forma obscura com a qual foram gravadas as cenas de Travis trabalhando na madrugada, no prédio onde as prostituas trabalham e nos cinemas pornôs se contrasta com as cenas de Travis se encontrando com Betsy e na tentativa de assassinato de Palantine. Concluindo, nada poderia ser mais bem vindo nesse longa que a trilha sonora impecável de Herrmann, um dos compositores mais controversos e admiráveis do cinema, suas músicas são propícias e nada pode lembrar mais o subúrbio de Nova York que elas. Herrmann foi indicado ao Oscar e ao Grammy pelo trabalho.

Poucas coisas são mais agradáveis na vida para mim do que assistir a um ator ou atriz veterano em algum filme do início de sua carreira. Aqui temos dois casos desses. Primeiramente, o protagonista Travis, que é interpretado com maestria por Robert De Niro, em uma atuação que eu costumo chamar de assombrosa por ser tão perfeita e inigualável. Para começar, a forma como De Niro muda fisicamente durante o longa é algo maravilhoso e feito de forma competente por pouquíssimos atores. Mas a mudança física do ator está longe de ser o melhor de sua interpretação: De Niro demonstra os problemas e anseios do protagonista em cada feição, cada gesto e trejeito e até mesmo na hora de falar. Aquela ironia e crítica que citei anteriormente são vistas no personagem pela forma com a qual o ator fala, sorri e por suas frases clássicas, dentre elas mais uma cena inesquecível, na qual o personagem, olhando-se no espelho, indaga: “Você está falando... comigo?”, claro que a forma de De Niro é mais convincente e divertida do que poderia explicar apenas com esse texto. Finalmente, a forma de andar, de falar, de sorrir e de se portar diante de tudo mostra o quanto Travis está infeliz e como morar em Nova York é um suplício, isso, por que, de forma, mais uma vez, perfeita, De Niro consegue trazer as aflições de um jovem de 26 anos que deseja fazer algo realmente interessante pela humanidade, nos presenteando com mais uma cena maravilhosa. Ao lado de De Niro está Jodie Foster, no papel de Iris, uma menina que fugiu de casa por já não aguentar mais viver com os pais, mas que acaba vendo que nem mesmo sua paixão por Sport a fará continuar com sua vida para sempre. Foster iniciou sua carreira aos sete anos de idade, aqui, com 12, mesmo aparecendo poucas vezes no longa – é necessário dizer que sua personagem é essencial para o desenrolar da trama -, foi indicada ao Oscar melhor atriz coadjuvante. Cybil Shepherd, a Jacy Farrow do clássico “A Última Sessão de Cinema” (1971), vive Betsy, uma jovem ambiciosa que sabe a beleza que tem. Shepherd está ótima no papel, começando por sua beleza inquestionável e pela forma doce com a qual se porta durante todo o longa, atribuindo decência e classe, que se contrapõe com o perfil de prostituta de Iris e com toda a sujeira de Nova York. Não há como não citar, rapidamente, a grande aparição de Martin Scorsese no filme, que vai além de apenas um vulto na multidão, ele é um homem que acha que está sendo traído pela esposa com um homem negro, ser traído já é triste, nesse contexto, ser traído com um homem negro é a pior coisa que pode acontecer a alguém, e é bem isso que Scorsese deixa claro com um personagem perturbado e completamente louco.

O desfecho de “Taxi Driver” é uma das maiores incógnitas dos filmes da época. Não sabemos se Travis está sonhando, se está tendo alguma espécie de visão do futuro, se é o que ele deseja que aconteça que está acontecendo, se é realidade, se é pura ficção, se Travis enlouqueceu de vez, se o protagonista está morto ou vivo. Na realidade, é difícil dizer o que é totalmente real nesse filme e o que é pura ficção, pura imaginação da cabeça perturbada de Travis, e nisso incluo o personagem de Scorsese. Para se ter uma idéia do quanto isso tudo enlouqueceu o público e como esse filme foi marcante para a sociedade da época, foi provado que John Hincley, homem que tentou assassinar o presidente Ronald Reagan, estava motivado por duas coisas: uma paixão doentia pela atriz Jodie Foster – foi comprovado que Hincley sofria de erotomania, ou Síndrome de Clérambault – e pelo filme “Taxi Driver”, decidindo que estaria a altura de Foster caso fosse uma figura conhecida nacionalmente, e, para isso, deveria matar um presidente. Assassinar Palantine, tendo em vista que Betsy passara a desprezar Travis, significava ficar famoso e estar a altura de Betsy. O que não se podia esperar era que Travis faria tudo errado e, de alguma forma, conseguiria fazer tudo como planejado para ficar famoso e se tornar um heroi. No desfecho, portanto, parece que Travis já não se importa mais com Betsy e que tudo acabou bem, que ele não precisa mais da moça e está pronto para seguir em frente. Ou não, afinal, podemos verificar o mais importante do longa em todo seu desenrolar: Travis é um homem bom, o problema é a sociedade em que vive, que o corrompe a cada instante, ditando regras e fazendo com que o jovem reprimido deseje ser alguém importante e conhecido. Não seria muito mais fácil e correto simplesmente continuar seguindo nossas vidas sem tais influências insuportáveis?

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065. CIDADE DE DEUS, de Fernando Meirelles e Kátia Lund

“Cidade de Deus” explora, de forma real e sem pudores, a terrível vida de quem mora em uma favela, trazendo um filme cheio de surpresas e qualidade, mostrando a verdadeira face de uma parcela do povo brasileiro.

Nota: DEZ

Título Original: Cidade de Deus

Direção: Fernando Meirelles e Kátia Lund

Elenco: Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino, Phellipe Haagensen, Douglas Silva, Jonathan Haagensen, Matheus Natchtergaele, Seu Jorge, Jefechander Suplino, Alice Braga, Emerson Gomes, Edson Oliveira, Michel de Souza,

Produção: Andrea Barata Ribeiro, Mauricio Andrade Ramos, Daniel Filho, Hank Levine, Vincent Maraval, Juliette Renaud

Roteiro: Paulo Lins e Bráulio Mantovani

Ano: 2002

Duração: 130 min.

Gênero: Drama

Em 1960, como uma medida público-social, o governo do Estado da Guanabara (hoje o município do Rio de Janeiro) criou complexos habitacionais para remover as várias favelas que compunham a região urbana. Um desses complexos foi a Cidade de Deus, povoada por favelados de 63 favelas distintas, o que evidencia uma heterogeneidade impressionante verificada nos tipos de trabalhadores, de culturas, de educação, de cor e raça. Na década de 1980, a favela presenciou a criação de dezenas de projetos e associações que melhoraram a vida de seus moradores e em 2009, após décas de períodos muito críticos para todos, a Cidade de Deus foi tomada pela Unidade de Polícia Pacificadora.

O jovem Buscapé é um rapaz sonhador que vive na Cidade de Deus e acaba realizando seu desejo de ser um fotógrafo. Mas antes disso, Buscapé vive toda a intensidade da favela onde mora observando tudo o que acontece a sua volta. O garoto relembra sua infância, onde era o irmão mais novo de um dos maiores marginais do local. Revela a história de Dadinho (ou Zé Pequeno) e toda a ascensão do tráfico na favela. Nesse contexto, Buscapé revive os passos que o levaram ao destino de se tornar um fotógrafo e mostra como a vida podia ser dura para os favelados entre as décadas de 1960 e 1980 na tão temida Cidade de Deus.

Falar sobre o enredo do filme é um pouco complicado, pois Buscapé relembra sua infância e nos conta um pouco da vida de todos os personagens importantes que compõe a trama. No início do filme, a antológica cena em que vários homens preparam galinhas para o almoço, uma delas foge e acaba indo parar bem na frente de Buscapé, que fica entre bandidos e policias. O tempo volta e o garoto lembra do trio composto por Cabeleira, Marreco (irmão de Buscapé) e Alicate, o Trio Ternura, que age na favela ora como verdadeiros bandidos, ora como herois no estilo Robin Hood. Ainda vemos, pela primeira vez, os pequenos Bené e Dadinho, esse um garoto sedento de sangue que se aproveita da fuga do Trio Ternura de um motel para cometer uma jacina no local. Um tempo depois, aos poucos, Dadinho toma quase toda a favela e torna-se Zé Pequeno. A partir daí, o contexto da favela já está construído como a imaginamos: o tráfico de drogas rola solto, os jovens são incitados desde pequenos a querer matar e admirar os traficantes – que, em alguns casos, não passam de homens de menos de 25 anos, Zé, por exemplo, acaba de completar 18 -, há a clara divisão daqueles que mandão e dos que obedecem (ou morrem), gangues vivem provocando umas as outras e a maior pretensão de um favelado acaba sendo estar ao lado de Zé Pequeno. Dessa forma, vemos como o contexto não permite que as pessoas na favela desejem outra coisa, pois não há nenhum outro tipo de oportunidade. Além disso, em um momento de glória, um homem bonito e decente, decide que se vingará de Zé por o bandido ter estuprado sua esposa e ter matado parte de sua família, e, ao contrário do que todos podemos imaginar, a favela se junta ao rapaz e mesmo que sem ajudá-lo de forma efetiva, apóia-o a matar quem ele quiser em prol de trazer a paz novamente à favela.

O roteiro do longa, baseado no romance de Paulo Lins, é uma beleza a parte em toda produção, pois no revela uma realidade nua e crua com a qual não estamos acostumados, realidade que poucos brasileiro imaginam acontecer em seu próprio país. Algumas pessoas acreditam que toda essa realidade seja um exagero por parte do roteiro, adaptado por Bráulio Mantovani, no entanto, tendo em vista todas as crueldades e terrorismos que vemos hoje, afirmo que tudo tem uma origem, ou seja, toda essa violência verificada nos dias de hoje nas favelas brasileiras, todo esse absurdo onde bandidos mandam no poder público – e muitas vez o próprio poder público faz parte das facções criminosas –, todo esse sistema como o apresentado nos filmes de “Tropa de Elite” não pode ter surgido do nada, sem motivos e sem antecedentes. Na realidade, creio que é bem isso o que podemos verificar nessas duas produções brasileiras que deixaram todo o mundo boquiaberto, cada uma em seu tempo: os problemas vivenciados pelo Capitão Nascimento são um reflexo do que ocorreu após a criação das favelas no Brasil. Enquanto Nascimento é o anti-heroi que faz seu trabalho de forma agressiva para prender bandidos, Mané Galinha é o anti-heroi que resolve se vingar de Zé Pequeno e aniquilar toda a máfia da favela. Quanto aos policiais? Não se iluda em não ver nada em “Cidade de Deus”, pois uma hora, previsivelmente, nos será revelado que eles são tão culpados quanto qualquer bandidão da favela. Finalizando meus comentários e minha análise sobre o roteiro, é essencial lembrar como os diálogos criados por Mantovani são maravilhosos, é claro que não estamos livres dos palavrões e de toda a baixaria imaginável, mas devemos lembrar, novamente, de todo o contexto que envolve a trama: como cortar assuntos grotescos e o uso de palavras de baixo calão em um filme que trata exatamente das pessoas que mais utilizam publicamente tais artifícios? Ao menos, assim era a favela há 30 anos. Fernando Meirelles iniciou sua carreira com a série televisiva “Rá-Tim-Bum” (1989), um programa de humor que ganhou o público; no cinema, seu primeiro trabalho de sucesso foi “Domésticas – O Filme” (2001), drama sobre essa parcela tão esquecida, mas essencial, da população brasileira; após o sucesso de “Cidade de Deus” vieram “O Jardineiro Fiel” (2005), com Ralph Fiennes e Rachel Weisz (vencedora do Oscar de melhor atriz coadjuvante) e “Ensaio Sobre Cegueira” (2008) adaptação do romance de José Saramago com Mark Ruffalo e Julianne Moore no elenco. Nesse contexto, foi, sem sombra alguma de dúvidas, “Cidade de Deus” o filme que alavancou sua carreira e o colocou no panteão dos cineastas brasileiros, não obstante, o longa foi indicado em quatro categorias no Oscar, incluindo melhor direção e roteiro (ambos arrebatados pelo sucesso de “O Senhor dos Aneis: O Retorno do Rei”). Meirelles, portanto, está em sua melhor performance: reflete sobre a qualidade de vida de um brasileiro que mora em uma favela, mostrando os diversos lados de tudo o que acontece nesse tipo de “conjunto habitacional” e o como tanto povo, quanto governo, já deixaram de se preocupar com tal situação. Ao lado de Fernando está a co-diretora do filme Kátia Lund filha de americanos que vieram para o Brasil. A dupla, apresenta cada detalhe e cada canto da favela de forma sensacional, contrapondo as décadas abordadas e nos fazendo refletir se toda essa realidade mudou muito efetivamente ou não. Além disso, cada cena foi filmada de forma única desde o momento em que vemos a galinha fugindo dos bandidos – o que, além de ser uma cena muito boa, é uma metáfora inteligentíssima que pode ser interpretada de inúmeras formas diferentes no contexto do longa ou fora dele – até cenas mais cotidianas com o protagonista indo a praia com os amigos.

Finalmente chego a um dos componentes mais importantes do filme: o elenco. Buscapé é interpretado pelo até então iniciante Alexandre Rodrigues; o ator nos apresenta aquele tipo de trabalho que acho ótimo: quando podemos ver claramente as mudanças no personagem, digo, com o passar do tempo, Buscapé precisa aprender a se virar cada vez mais e correr atrás daquilo que deseja sem ter a ajuda de ninguém; além disso, Rodrigues, que estava prestes a completar vinte anos, traz as dúvidas e anseios frenquentes de qualquer adolescente, seja favelado ou não. Para viver Buscapé quando criança temos Luis Otávio, um menino ainda ingênuo até certo ponto que tenta compreender tudo o que acontece ao seu redor e possui apenas um desejo: não virar bandido. E se o sonho de Buscapé é nunca precisar ser um bandido, o sonho do pequeno Dadinho é totalmente o contrário: vivido por Dauglas Silva quando criança, o rapaz é, claramente, um perturbado que tem um prazer inexplicável em matar; naquela cena que citei a cima onde Dadinho comete uma chacina em um motel temos o melhor que se poderia pedir do ator: enquanto as pessoas são assassinadas, o personagem (e, portanto, seu intérprete) ri histericamente, deixando evidente seu desejo incontrolável por matar. Para viver o Dadinho grande, ou melhor “Dadinho é o caralho”, para viver Zé Pequeno, atua  Leandro Firmino, o personagem, como já disse, é totalmente violento e sanguinário e Firmino nos mostra o exato estereótipo de um traficante descontrolado, o tipo de jovem que tem tudo e, ao mesmo tempo, não tem nada, e por isso foca toda sua atenção em conquistar poder e mostrar que pode ser melhor do que o que os outros pensam, ou seja, Zé Pequeno não passa de um homem complexado que afoga suas decepções em matar, roubar, violentar e ganhar dinheiro. Phellipe Haagnsen é o melhor amigo de Zé Pequeno, Bené, e provavelmente o único ser humano que Zé ama e quer bem, o personagem é mais controlado, mas tranquilo e não possui nada da agressividade de Zé, e talvez seja isso que faça com que o bandido admire tanto seu amigo e o queira por perto o tempo todo. Alice Braga, também em início de carreira, faz uma pequena participação sendo a mulher por quem Bené se apaixona, o melhor de Angélica, sua personagem, é que ela não se torna o pivô de toda a trama e pouca coisa acaba girando em torno dela, de forma real, Angélica é apenas uma jovem sonhadora moradora de uma favela. Para completar esse elenco excelente, dois veteranos: Matheus Nachtergaele, um ator que já havia realizado quase 20 trabalhos na época, e Seu Jorge, cantor e compositor que lançara dois discos na época. Nachtergaele vive o outro traficante da favela, Cenoura possui o equivalente a mais ou menos um quinto de toda a Cidade de Deus e vive em atrito com Zé Pequeno pelo local, o ator, como de costume, está ótimo no papel e, diferente dos personagens dele que já estamos acostumados, aqueles mais engraçados ou excêntricos – como o Pai Helinho de “Da Cor do Pecado” (2004) ou o Miguezim de “Cordel Encantado” (2011) -, e sim um personagem mais sério, centrado, mais racional e que não se deixa levar pela emoção, como sempre, mais uma atuação maravilhosa e digna de aplausos do ator. Seu Jorge vive o pacato Mané Galinha, confesso que gosto de ver esse cantor incrível atuando uma vez ou outra, pelo simples fato de que tudo o que ele se propõe a realizar no cinema tem um resultado ótimo, aqui ele mostra como um homem pode ser transformado pelo mundo em que vive, no maior estilo Rousseau, vemos como o homem nasce bom, mas é corrompido pela sociedade.

No ano de 2000 foi ao ar uma série produzida pela Rede Globo que mostrava o cotidiano do povo brasileiro, dentre os episódios de “Brava Gente” encontramos “Palace II” que conta a história de dois jovens moradores da Cidade de Deus, Laranjinha e Acerola, que precisam arrumar dinheiro e resolvem trabalhar para um traficante. Dois anos depois de esse episódio ser lançado, Douglas Silva, Leandro Firmino, Jonathan Haagensen, Phallipe Haagensen e outros atores lançaram, ao lado de Fernando Meirelles e Kátia Lund (diretores de “Palace II), o longa “Cidade de Deus”, que mostra, mais uma vez, o cotidiano de um dos bairros mais perigosos do Rio de Janeiro, sem fazer questão de esconder qualquer fato, apenas mostrar, criticar e denunciar a forma desumana como a vida gira em torno de traficantes e outros tipos de bandidos e como todos acabam indo por esse caminho.

Longe de ser preconceituoso e dizer que todo favelado é bandido, ou que todo favelado é ignorante, ou, ainda, que todo favelado é mal educado, mas a realidade abordada aqui é exatamente essa generalização, como disse no primeiro parágrafo, apenas após a década de 1980 é que a Cidade de Deus começou a ter grandes projetos que melhorassem sua estrutura e trouxessem mais qualidade de vida à população – ou que, ao menos, mostrasse a quem quisesse ver que existem outras realidades na vida, que trouxessem outra perspectiva que não seja a de conquistar dinheiro e poder a qualquer custo, que mostrassem a perspectiva de uma vida digna e saudável -,  o que temos aqui, ainda é a favela em formação e sem ninguém para organizar tudo é óbvio que o local viraria uma bagunça. Infelizmente vivemos em uma realidade triste que pode ser verificada em um trecho de uma das várias ótimas músicas do longa, o próprio Seu Jorge entoa em uma das estrofes da canção: É a Cidade de Deus/Só que Deus esqueceu de olhar/A essa gente que não cansa de apanhar/Não vem dizer que a situação é uma questão de trabalhar/Que vai ter negro querendo te advogar. E é essa a dura realidade: parece que Deus esqueceu de olhar todo o sofrimento desses lugares, e pior, governo e população fingem que não vêem, por dois motivos: gente ignorante representa voto, e, perguntam-se os preconceituosos, por qual razão dar chances a favelados? E é enquanto permanecermos com esse pensamento que continuaremos a presenciar realidades tão deprimentes, apenas espero que continuemos a ter cineastas e produtores capazes e dispostos a denunciar todos os absurdos que ainda cercam o povo brasileiro como um vício que acabará em câncer e morte. Assim, ao menos tenta-se mudar os políticos e o restante desse tal “país tropical, abençoado por Deus e bonito por natureza”.

Aproveitando o fato de o roteiro do longa ser escrito em língua portuguesa, disponibilizo uma das cenas do filme em que se pode verificar claramente a qualidade do trabalho de Bráulio Mantovani e como toda a essência dos personagens é captada. O diálogo é entre Cabeleira e Berenice um tempo após os acontecimentos no motel (obs: o fragmento está na íntegra do texto original):

INT. COZINHA DA CASA DE LÚCIA MARACANÃ - DIA 42

Berenice está lavando a louça do café da manhã. Cabeleira ajuda,

enxugando os pratos.

Cabeleira está tenso. Ensaia várias vezes iniciar uma conversa

com Berenice, mas não consegue ir em frente. Até que ela toma a

iniciativa.

O diálogo a seguir é entrecortado por breves momentos de

silêncio seguidos de efeitos de transição que sinalizam passagem

de tempo: pequenas elipses.

A cada transição, há menos louça suja.

BERENICE

Se você tem alguma coisa pra dizer, diz

logo, Cabeleira! Você tá me deixando

nervosa!

CABELEIRA

É que eu ainda tô escolhendo as palavras

certa, tá sabendo?

BERENICE

Você deve ser um cara muito escolhedor.

Gente assim não se dá bem na vida, não,

sentiu?

SILÊNCIO.

EFEITO: PASSAGEM DE TEMPO.

CABELEIRA

Então é o seguinte: vou te mandar uma letra

invocada agora: acho que meu coração te

escolheu, morou? Quem escolhe é o otário do

coração, e quando eu te vi meu relógio

despertou pensando que era manhã de sol.

BERENICE

Tu tá é de conversa fiada, rapá... Coração

de malandro bate é na sola do pé e não

desperta, não, fica sempre na moita!

CABELEIRA

Pô, mina... Já viu falar em amor à primeira

vista?

BERENICE

Malandro não ama, malandro só sente desejo.

CABELEIRA

Assim não dá nem pra conversar...

BERENICE

Malandro não conversa, malandro desenrola

uma idéia!

CABELEIRA

Pô, tudo que eu falo, você mete a foice!

BERENICE

Malandro não fala, malandro manda uma

letra!

CABELEIRA

Vou parar de gastar meu português contigo.

BERENICE

Malandro não pára, malandro dá um tempo.

SILÊNCIO.

EFEITO: PASSAGEM DE TEMPO.

CABELEIRA

Falar de amor com você é barra pesada.

BERENICE

Que amor nada, rapá. Tu tá é de sete-um!

CABELEIRA

Malandro vira otário quando ama.

SILÊNCIO.

EFEITO: PASSAGEM DE TEMPO.

Berenice larga o prato na pia, e coloca os braços em volta do

pescoço de Cabeleira, oferecendo-se para um beijo.

BERENICE

Tu vai acabar me convencendo...

Eles se beijam na boca.

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066. CENTRAL DO BRASIL, de Walter Salles

Fernanda Montenegro transforma o longa no perfeito retrato de nosso povo e nosso país com sua atuação tocante, sensível e reflexiva.

Nota: 9,5

Título original: Central do Brasil

Direção: Walter Salles

Elenco: Fernanda Montenegro, Vinícius de Oliveira, Maríli Pêra, Matheus Nachtergaele, Saia Lira, Othon Bastos, Otávio Augusto, Stela Freitas, Caio Junqueira

Produção: Martine de Clermont-Tonnerre, Arthur Cohn, Robert Redford, Walter Salles

Roteiro: Marcos Bernstein, João Emanuel Carneiro e Walter Salles

Ano: 1998

Duração: 113 min.

Gênero: Drama

Dora é uma professora aposentada que escreve cartas para analfabetos e envia algumas delas para fazer um dinheiro extra. Todavia, sua vida mudará completamente quando Ana e Josué pedem para que envie uma carta ao pai do menino, pois Ana morre e Dora se sente responsável por ajudar Josué a encontrar o pai. Para isso, ela e o garoto atravessam centenas de obstáculos rumo ao nordeste, e o maior deles são as próprias frustrações e medos de cada um acerca do passado, presente e futuro.

Walter Salles havia realizado alguns documentários para televisão e apenas dois filmes para o cinema – “A Grande Arte” (1991), adaptação do romance de Rubens Fonseca, e “Terra Estrangeira” (1996), com Alberto Alexandre, Fernando Alves Pinto e Alexandre Borges – antes de realizar esse que se tornou um dos maiores símbolos do cinema nacional. Nesse filme, percorremos o Sudeste e o Nordeste do Brasil ao lado de Dora e Josué, conhecemos culturas diferentes, visitamos locais que mal sabemos que existem, somos expostos a realidade que, por viver nesse nosso mundo urbano e belo das regiões mais ricas e urbanizadas do Brasil, deixaram de fazer parte de nossa realidade. O Sertão, por exemplo, nos é mostrado como um local difícil de viver, mas, ainda, um local de muitas belezas; as pessoas mais simples do nordeste, aquelas que não foram marginalizadas por serem pobres vivendo em grandes centros urbanos, são pessoas boas, sem maldade e que desejam ajudar o próximo. Para compor todo esse cenário, Salles utiliza uma forma linda de filmar cada cena, captando todas as belezas e contrapondo-as com os problemas que todos encontramos em qualquer lugar do mundo. O roteiro, muito bem escrito por Walter, que escreveu a história, Marcos Bernstein – que viria a escrever “O Xangô de Baker Street” (2001), “Chico Xavier” (2010), “Somos Tão Jovens” (2013) e “Faroeste Caboclo” (2013) – e João Emanuel Carneiro – de “Orfeu” (1999), “Da Cor do Pecado” (2004), “A Favorita” (2009) e “Avenida Brasil” (2012) – é algo único por absorver cada detalhe de cada umas das várias culturas presentes em nosso país, desde a forma de falar de cada região, o tipo de comida, o tipo de tratamento com o semelhante, as gírias, a forma de andar e de se preocupar com a vida, mas, acima de tudo, o roteiro desse longa é um presente por nos apresentar uma história tão bonita e tocante que nos faz refletir sobre cada atitude que tomamos em nossa vida e sobre como podemos nos arrepender no futuro ou magoar pessoas que amamos se não pensarmos bem em nossos atos.

Em primeiro lugar, devemos analisar esse filme como uma representação e crítica à sociedade brasileira, mais que isso: uma homenagem ao povo brasileiro que tanto lutou, e luta, para sobreviver, não importando a região, a classe social ou a cor. É claro, que, em um filme que leva o título “Central do Brasil”, devemos nos preparar, pois estaremos diante de algumas realidades tristes, diferentes das analisadas em longas depois desse, como “Cidade de Deus” (2002) ou os filmes “Tropa De Elite”, que mostram as favelas das grandes cidades do país, chefiadas por traficantes e corruptos, o que vemos aqui é algo diferente, menos chocante e mais comum ainda do que as realidades das favelas. Nesse contexto, já está o fato de Josué não ter conhecido o pai, não importando os motivos, apenas já podemos ter a certeza de que alguma coisa está errada; depois vemos uma das maiores denúncias do longa, Dora é uma professora de ensino infantil aposentada, que escreve cartas de pessoas desconhecidas para pessoas desconhecidas para ganhar um dinheiro a mais no final do mês, afinal, apenas a aposentadoria de professora não é o suficiente para muita coisa; ainda temos a tentativa louca de Dora em vender Josué para pessoas que, supostamente, arrumarão uma família rica para ele, o que deleta a precariedade no Brasil em questão de segurança pública para nossas crianças. Durante o desenrolar da trama, a protagonista contará um pouco de sua história e veremos que essa realidade triste a que tanto me refiro já está presente em nossa sociedade há muitos anos; Josué conhecerá o Nordeste e verá o quanto tudo pode piorar, ou melhorar, depende do quão longe vão os sonhos de cada um. Acrescente a isso, algo que acredito ser uma das coisas mais belas do filme: temos a inocência do protagonista, um menino que sonha em ir atrás do pai, mesmo tendo informações de que ele é um bêbado, digo, por mais que o garoto tente parecer maduro e vivido, temos a certeza que tudo o que ele faz é baseado em um sentimento maior, algo inexplicável, o desejo de encontrar o pai e, ao menos olhar em seus olhos e saber quem ele é, faz com que ele tenha forças para ultrapassar todas as barreiras encontradas no caminho. Dora, por fim, é a representação perfeita do retrato da mulher brasileira: forte, nada submissa, inteligente, ríspida e que não mede esforços para chegar onde quer ou para fazer o que acha certo, apesar dos problemas que encontrou através da vida, essa protagonista não tem medo de viver, não tem medo de realizar nada e se dispõe a tudo pelos seus ideais, mesmo que nem saiba quais são realmente.

Fernando Montenegro dispensa qualquer apresentação e é mais que necessário dizer que, por sua interpretação de Dora, foi indicada ao Globo de Ouro e ao Oscar, o prêmio máximo do cinema, sendo a única brasileira a disputar a estatueta na história da Academia. No entanto, confesso que jamais imaginei vê-la em uma personagem como essa. Deixe-me explicar: para mim, como para a grande maioria dos brasileiros, Fernanda Montenegro se parece mais com suas personagens de “Belíssima” (2006) ou “Passione” (2010), ou seja, mulheres cheias de classe, inexpugnáveis e lindas. Não que aqui a atriz perca todas essas características, pois a forma correta de falar, por exemplo, permanece (afinal, Dora era uma professora), mas se vai quase todo tipo de postura, a construção da personagem é tão fantástica que é mudada a forma de falar, andar, sorrir, mexer nos cabelos, conversar com os outros, aqui, como a própria personagem pede, Fernanda está mais despojada, despe-se de todo o traje politicamente correto socialmente falando e nos mostra uma mulher comum, uma verdadeira brasileira sujeita a defeitos e qualidades, mas não por isso uma mulher menos digna e admirável que qualquer outra personagem vivida pela atriz. Vinícius de Oliveira foi escolhido entre mais de 1500 garotos para viver o pequeno Josué na trama, apesar de novo (ele tinha 12 anos durante as filmagens) é o tipo de ator que compreende bem o que se deve fazer em um filme e consegue segurar tudo ao lado de Fernanda, melhor do que isso: Vinicius se iguala a essa fera inquestionável que é Fernanda Montenegro. E o melhor de tudo: Vinicius de Oliveira, ao contrário da maioria dos jovens atores que fazem sucesso e, desde cedo, já trabalham com atores conceituados, está prestes a completar 28 anos e se formar em cinema. Marília Pêra, outro grande exemplo da sétima arte no Brasil, é a melhor amiga de Dora, Irene, também professora aposentada, mas, diferentemente de Dora, uma mulher que parece ser mais de bem com a vida, mas que, ao mesmo tempo, parece não ter se dado conta de que o tempo passou e tudo está mudando. Do restante do elenco, destaco Matheus Nachtergaele, como sempre ótimo, e Caio Junqueira, em um papel quase irreconhecível, apenas digo que ambos estão excelentes e que representam muito bem o povo nordestino, falar mais sobre seus personagens seria estragar uma parte muito agradável do enredo.

Apenas para esclarecer, além das indicações de Fernanda, o longa esteve na luta pelo Oscar de melhor filme estrangeiro e venceu o Globo de Ouro na mesma categoria. O título de “Central do Brasil” em inglês é tão sugestivo quanto o título original, na versão americana lê-se “Central Station” (Estação Central), uma referência ao local carioca onde os protagonistas, Dora e Josué, conheceram-se, mas também uma referência a todas as estações de trem, metrô, ônibus ou o que forem espalhadas pelo mundo, locais onde a vida realmente acontece, onde pessoas correm de um lado a outro, muitas sem saber para onde ir, mas sempre chegando em algum lugar, e muitas sabendo para onde ir, mas jamais chegando a lugar algum. “Central do Brasil” nos obriga a refletir sobre isso mesmo: até onde tudo o que planejamos para nossas vidas poderá realmente acontecer? Até onde estamos certos e estamos seguindo o caminho que nos foi traçado? O filme nos faz ver o quanto podemos deixar a vida nos levar, sem nos prendermos ao nosso mundinho maravilhoso, ou nem tanto, mas que, de uma forma ou outra, é sempre igual, sempre previsível, nossa redoma de vidro. Um mundo onde jamais estamos com medo, onde nunca corremos perigo, onde estamos totalmente seguros de tudo o que é externo, porém um mundo fictício que não recebe nada de novo, onde mudanças são impossíveis, onde, de forma bem sincera, acredito qeu nenhum ser humano deva viver até seu último dia, afinal, se o fizer, em algum momento olhará para trás e irá perceber o quanto a vida poderia ter sido melhor e como tudo seria completamente diferente se uma segunda chance fosse dada. Por sorte, Dora teve sua segunda chance.

Postei esse pôster por dois motivos: primeiro,pela inspiração; e segundo,  é muito bom ver um filme brasileiro com um pôster americano. Acima do título, o mais importante para atrair o público estrangeiro: "Vencedor do Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Estrangeira". Abaixo do título, lê-se: "Ele estava procurando por seu pai que nunca conheceu. Ela estava procurando por uma segunda chance." E, por último, no final do cartaz: "2 Indicações ao Academy Award (Oscar) em 1998! Melhor Atriz, Fernanda Montenegro, Melhor Filme em Língua Estrangeira.

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067. E AÍ...COMEU?, de Felipe Joffily

Ultrapassando todos os tabus, chegou a vez de os homens falarem de tudo sem preconceito.

Nota: 8,0

Título Original: E Aí... Comeu?

Direção: Felipe Joffily

Elenco: Bruno Mazzeo, Marcos Palmeira, Emílio Orciollo Neto, Dira Paes, Juliana Schalch, Laura Neiva, Seu Jorge, Tainá Müller, Murilo Benício, José Abreu,

Produção: Augusto Casé, Bruno Mazzeo, Marcos Palmeira, Dira Paes, Seu Jorge, Carlos Eduardo Rodrigues, Alex Sander, Bia Caldas

Roteiro: Marcelo Rubens Paiva e Lusa Silvestre

Ano: 2012

Duração: 105 min.

Gênero: Comédia

Fernando, Honório e Fonsinho são três amigos completamente diferentes que, como todo bom brasileiro, terminam seu dia com um happy hour em um barzinho. É claro que as conversas são as mais variadas, como: amor, futebol, dinheiro, problemas e, principalmente, mulheres e sexo. Nesse contexto, Fernando acaba de se separar de sua esposa e está em completa fossa pós divórcio, Honório é casado há anos com a mesma mulher, tem três filhas e está desconfiado que a mulher está enfeitando sua cabeça e Fonsinho é um rapaz rico que recebeu a herança do pai e não faz nada, além de beber, gastar o dinheiro com prostitutas e tentar escrever um romance.

A história já começa da forma mais correta em minha opinião: somos apresentados aos personagens, como se eles nos contassem a história de suas vidas. E digo que isso é o maior acerto do longa por um motivo simples: começamos a nos identificar com eles desde o início, afinal, quem nunca teve de superar a rejeição, quem nunca caiu em rotina no relacionamento, quem nunca tentou ser o popular “vida louca” e não se preocupar com nada no mundo? E se você está pensando que não viveu nada disso, ou que viveu apenas um ou outra, espere, ainda há tempo na vida para que cada um desses problemas bata à sua porta. Além disso, o longa trata toda a vida com muito humor e poucas vezes vi, tanto em filmes estrangeiros quanto em brasileiros, o povo tão bem representado, e quando digo “povo”, não me refiro apenas a maior parcela da população, refiro-me a cada cidadão brasileiro, rico ou pobre, preto ou branco, velho ou jovem, aqui, todos são representados da forma mais original possível, da forma mais real e, por vezes, mais grotesca. Durante a trama, ainda somos apresentados às mulheres que compõe a vida sexual de Fernando, Honório e Fonsinho, e, em uma ótima sacada e escolha perfeita para o papel, Seu Jorge, o cantor, encena o Garçom do Bar Harmonia, um homem negro que, sem dúvida, já experimentou de tudo um pouco na vida. Toda essa história, foi criada por Marcelo Rubens Paiva, escritor do livro “Feliz Ano Velho” (1987), roteirista de “Malu de Bicicleta” (2010) e “E Aí... Comeu?”, além de ter escrito a peça desse último; Lusa Silvestre, também roteirista do longa, é uma das roteiristas do excelente longa “Estômago” (2007). Por fim, mas não menos importante, Filipe Joffly, o diretor, também liderou “Ôdiquê?” (2004) e “Muita Calma Nessa Hora” (2010, que está ganhando uma continuação, acredito que o mais importante a ressaltar sobre seu trabalho nesse filme, seja a forma simples e natural como tudo é feito, mas sem deixar a qualidade de lado: a fotografia do filme nos remete exatamente ao espaço de um bar normal onde todos se encontram após o trabalho para beber uma cerveja e jogar conversa fora, o restante da cidade é muito característico e não nos esquecemos, em nenhum momento, que estamos diante do mais perfeito cenário brasileiro.

Bruno Mazzeo, filho de Chico Anysio, não nega a raça do pai e é um dos artistas mais versáteis e talentosos que temos hoje no cinema e na televisão brasileiros. Como poucos, Mazzeo me faz ter vontade de ir ao cinema assistir a uma comédia como essa, que, tendo um elenco diferente, jamais me atrairia. No longa, Bruno vive Fernando, um homem que não sabe para que lado ir e está totalmente perdido após o divórcio, entretanto, basta um empurrãozinho para que leve a vida adiante, e é isso o que Mazzeo acaba mostrando: mesmo com suas feições deprimentes no início do longa, aos poucos o ator renova sua personagem, que passa a ver a vida de forma muito melhor. Marcos Palmeira é o típico homem casado que está levando uma vida pacata e rotineira demais com a esposa, Honório é um homem ainda disposto que esqueceu como a vida deve ser mais animada inclusive dentro de casa; Marcos Palmeira nos mostra o homem mais sério e, provavelmente, o mais vivido do trio, aquele típico homem que não cresceu totalmente, mas que ama a mulher a ponto de apenas falar sobre outras. Emílio Orciollo Neto é o típico solteirão cobiçado pro ser rico que poderia ter a mulher que quisesse, mas prefere sair com mulheres compromissadas, Fonsinho, além disso, nos apresenta aquilo que todos estamos expostos a nos tornarmos todos os dias: sua tentativa de escrever é frustrada, sua tentativa de arrumar uma parceira é frustrada, ou seja, tudo o que ele tenta fazer para levar uma vida mais séria acaba deixando-o mais perdido ainda. Para completar o elenco, no lado feminino estão as ótimas Dira Paes, Juliana Schalch, Laura Neiva e Tainá Müller; e do lado masculino uma ponta rápida de Murilo Benício e, como citei a cima, Seu Jorge.

“E aí... Comeu” é a enfadonha pergunta que todo homem faz para um amigo após uma festa da qual ele saiu acompanhado ou depois de um encontro que tinha apenas um objetivo: sexo. Se a resposta for sim, logo vêm as perguntas sobre como foi o tal sexo, quais as posições, se ela fazia um bom sexo oral e se rolará novamente, e, pode-se ter certeza, que se a mulher for realmente algo fenomenal, as perguntas prosseguirão por no mínimo uma semana. Se a resposta for não, ou todos permanecerão calados, ou taxarão o cara de viado ou zuarão dele durante semanas dizendo que ele está apaixonado. Talvez, em meio a tanto humor e tanta realidade, seja aí onde o filme peque um pouco: sempre o mesmo assunto, e pior, camufla-se alguns assuntos mais sérios com o tema básico sobre sexo e, por vezes, não parece haver novidades. Entretanto, tal clichesismo não é o suficiente para tirar a diversão e deixar essa comédia se tornar algo ruim.

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